La Comunidad
Malévolo esperpento





Director: Alex de la Iglesia
Genero: Comedia
Actores: Carmen Maura, Emilio Gutiérrez Caba, Terele Pávez, Kiti Manver
Nacionalidad: España
Año Prod.: 2000
Duración: 105 min.

(pelicula proyectada 27 de septiembre 2006)

Alex de la Iglesia prosigue con su peculiar visión sobre la España del siglo XX (ya en filmes como "El día de la bestia" o "Muertos de risa" con esta nueva comedia de humor negrísimo.
La premisa de arranque es atractiva: trasladar al microcosmos de una comunidad de vecinos en el corazón de Madrid las rencillas, envidias, odios y celos que el ser humano en modo particular y nuestra especie en general, muestran inequívocamente, una vez tras otra, cada vez que tiene ocasión.
Un viejo podrido de dinero (y en sentido estricto también...), olvidado por los suyos pero muy presente en la vida de sus convecinos, será el detonante de esta versión de "Toma el dinero y corre", también con influencias de todo jaez: desde el Buñuel de "El ángel exterminador" (esa Carmen Maura que no consigue salir, aunque se lo proponga, del bloque de la comunidad) hasta, ¡oh, cielos!, de "Matrix" (esa Terele Pávez que salta edificios como si fuera Keanu Reeves en el papel de Neo), entre otras muchas evidentes fuentes. El resultado es un malévolo esperpento sobre la codicia, un hábil cóctel sobre la marrullería humana, bien rodado y mejor guionizado, con una maraña de personajes secundarios (llamarlos "freaks" es, además de un lugar común, más un elogio que un insulto) que reúnen en sus oscuras existencias lo más granado de la miseria del hombre.

Broken Flowers (proyectada miércoles 23 de agosto 2006)
Direción y guión: Jim Jarmusch

Reparto: Bill Murray, Julie Delpy,Sharon Stone,Jessica Lange, Chloë Sevigny, Tilda Swinton, Larry Fassenden

Bill Murray da vida a Don Johnston, un cincuentón sin problemas económicos pero que tampoco vive en plan ostentoso, que sin embargo si que ha sido durante toda su vida un galán que no ha sabido mantener a sus parejas y al que acaba de dejar su última novia. En ese momento recibe una misteriosa carta sin remite de una antigua novia que le notifica que tiene un hijo. Así que empujado por su vecino aficionado a las novelas de detectives, Don se encamina hacia un viaje en el que visitará a las posibles madres en busca de la verdad. Ese viaje que empieza casi obligado le servirá a Don para encontrar un aliciente en su vida y de paso para ver como ha influido en la de los demás.

Pero aunque suene a drama existencial que nadie se asuste, aquí hay mucha mala baba y puntos muy cómicos, aunque sutiles. Cada una de las ex-novias a las que visita conservan una profunda huella por parte de Don y cada una lo demuestra de formas distintas y en algunos casos muy cómicas como en el caso de su primera ex-novia con su hija Lolita (Lolita del todo) o en el de la segunda, una Doña Perfecta absolutamente irritante con su forzada actitud de perfectita y donde Murray saca su vena cómica.
Con final algo abierto y que deja al espectador sacar sus conclusiones, algo que quizás en una película de género con vistas a una secuela tendría sentido, pero no demasiado aquí.
una película minimalista que retrata dicotomicamente la soledad abismante y la ilusión del protagonista de encontar un sentido a su vida...

Following







Following (1998) / Director: Christopher Nolan / Guión: Christopher Nolan / Intérpretes: Jeremy Theobald, Alex Haw, Lucy Russell, John Nolan, Dick Bradsell.

Following supuso el debut cinematográfico, en 1998, de Christopher Nolan, aquí director, guionista, productor, montador y director de fotografía. A partir de un presupuesto escasísimo y rodando en blanco y negro, Nolan teje, con su probada maestría, una fascinante historia mediante una narración no lineal, de manera que los saltos en el tiempo adelante y atrás cobran un especial protagonismo, conduciendo al espectador a participar activamente de la película y reconstruir mentalmente lo que sucede. Esta inteligente maniobra de Nolan, que además resulta hábil a razón de un montaje espléndido que jamás crea confusión, genera que asistamos a dos líneas temporales diferenciadas por el cambio de aspecto del protagonista, perfecta traslación de la transformación del personaje a lo largo de la película.

Nolan parece utilizar su modesto debut británico y de metraje no superior a los 70 minutos como campo de experimentación para ensayar la complejidad estructural que desarrollaría en su segunda y sonada obra maestra, Memento. En Following experimenta con ese modo no convencional de contar historias que acrecienta el suspenso, la intriga y el misterio y que obliga al público a una atención máxima con el fin de recoger las piezas y hacerlas encajar en un todo perfectamente urdido.

La premisa no puede ser más atractiva: Bill (Jeremy Theobald) relata a alguien su particular versión de los hechos ocurridos, es decir, desde su percepción subjetiva. Dice ser un escritor (aspirante, más bien) desocupado y de rutinaria existencia que se aburre y no tiene nada mejor que hacer que seguir a desconocidos, en parte por curiosidad, en parte para inspirarse en su labor creadora. Un día, conoce a alguien que cambiará su vida y le conducirá a sacar a la superficie sus impulsos tendentes a violar la intimidad ajena. Y no conviene contar más…

A estas alturas, sabemos que el cine de este director superlativo huye de lo banal y lo manido para desafiar al espectador con películas que proponen argumentos intrigantes y de evolución poco previsible.Sabemos que sus películas ofrecen un contenido rico en matices y detalles, teñido por una densidad psicológica estimulante y cuyo estilo de thriller y neo-noir (encontramos muchos elementos característicos del cine negro tradicional) seduce de principio a fin a la hora de retratar el tormento de un personaje en soledad que vaga por la jungla humana.Es la prueba de que el talento supera cualquier limitación de medios, y hasta en este casi mediometraje deja su impronta estilística.

Es cine en estado puro, sin aditivos artificiales, apoyado casi exclusivamente en el ingenio de sus responsables y que resulta tremendamente interesante para comprobar cómo se las gastaba Nolan en sus inicios y de qué naturaleza era su sello personal.
Una magnífica ópera prima al tiempo que inmejorable carta de presentación.
imperdible!!

“PLAY”
















Países: Chile, Argentina, Francia
Año: 2005
Duración: 105 minutos
Género: Drama
Producción: Sergio Gándara y Macarena López
Musica: Joseph Costa, Marc Hellner

SINOPSIS

Cristina Llancaleo (Viviana Herrera) vive con Milos (Francisco Copello), un viejo enfermo a quien alimenta, cuida y lee artículos de la Nacional Geographic.
Una mañana, Cristina encuentra un maletín en la basura, lleno de los rastros de otra vida , la de Tristán Greenberg (Andrés Ulloa). Tristán es un arquitecto de éxito que vive una vida sin problemas en una zona acomodada. Todo se viene abajo cuando su novia Irene (Aline Küppenheim) le deja por otro. Vagando atormentado por las callejuelas desconocidas, se involucra en un malentendido callejero y termina inconsciente en la calle, mientras dos ladrones se levan su maletín. Cristina se convierte en testigo silencioso de la caída de Tristán. Le sigue por la cuidad y va aprendiendo a través de el y sus objetos (phonos y bella musica) sobre un mundo que le era desconocido, al cual tenia el acceso negado. Asi Trisán y Cristina viviran aventuras paralelas y opuestas,
Cada uno a su manera buscara las pistas, los codigos desconocidos para encontrar un rol que jugar en la cuidad, algo a lo que aferrarse….

Miércoles 9 de Agosto desde las 18:30 horas (videos musicales)
19:00 hrs película, auditorio Suárez-Fanjúl
Visita: http://cinearteudec.blogspot.com

Life is a Miracle
un film de Emir Kusturica


proxima exhibicion!!









El mundo de Kusturica nos da la bienvenida a un juego cuyo desenlace es un completo misterio. Un trabajo de cámara muy bien logrado nos enriela a Bosnia en 1992, en pleno conflicto de los Balcanes, que comienza a la distancia y que se expande hasta absorber al pueblo donde transcurre el relato.

La historia es relativamente simple: Luka es un ingeniero ferroviario que vive con su señora Jadranka, cantante de ópera, y su hijo Milos, que quiere ser futbolista profesional. Parece ser una familia feliz (con rarezas de esas que sólo Kusturica puede articular) hasta que el hijo es enviado a la guerra y la señora de se enamora y arranca con un saxofonista extranjero. Ahí comienza el verdadero conflicto: Luka queda solo, sumido en un trance estático en el cual los días pasan en una espera infinita del regreso de su hijo y su mujer. Esto cambia al llegar un amigo de Luka que le pedirá que cuide a una rehén musulmana llamada Sabaha y, aunque parezca que la historia en este punto ya está por resolverse y se hace obvia, sucede justamente al contrario.

La película conecta mucho con el teatro, en cuanto delata una cierta escenificación de corte más teatral que cinematográfico, dotando al filme de un uso del espacio y las materialidades de carácter singular. Hay una sublimación de la imagen que permite entrar en diversas dimensiones estéticas corporales y espaciales en las que parece que las características de los personajes permearan el trabajo de cámara. Se enfatiza lo grotesco, lo excesivo, lo esencial (en términos de personaje), lo maniático, lo carnal y sobre todo la materialidad de cada personaje (animal o humano) en el espacio fílmico.
La música, a cargo de la No-Smoking Orchestra, se convierte en una gran compañera en las dos horas cincuenta y cinco de proyección, animando y guiando muchas veces la historia. Las canciones se pasan del serbio al inglés, del canto vocal al rock y a los bronces y las cuerdas híper-rítmicas que tanto caracterizan las películas de este director. Las letras de las canciones profundizan en la historia y sus personajes, y la dinámica idiomática de las canciones abre nuevas claves de lectura que denotan las potencialidades de un trabajo conjunto entre la creación de la banda sonora y la película.

:::::vacaciones:::
porque cine arte merece descansar habrán dos semanas de receso.
(aprovecharemos de planificar las futuras sesiones con una sobredosis de buen cine! yujuu)

pronto una lista de las posibles peliculas del mes de agosto...

nos volveremos a encontrar la primera semana de agosto.
dia aun no definido, (depende de mi horario ugg).-
claro esta que ocurrira a la hora de siempre y en el mismo canal
jojo digo a las 19 horas (mas tempranito para los que quieran disfrutar de buena musica) en el auditorio casa central :Suarez Fanjul
desde ya muy agradecida....

Hierro 3
un film de kim ki-duk




Unidos en la soledad

Galardonada con el León de Plata al Mejor Director en la pasada edición del Festival de Venecia, fue la gran triunfadora , donde ganó la Espiga de Oro y tuvo una buena acogida entre la crítica y el público (obtuvo el Premio de la Juventud). Hay películas sobre las que resulta difícil contar su historia, porque no existe o es mínima. Ésta es una de ellas, pues parece realizada para ser contemplada, admi-rada y reflexionada... pero no contada; por otra parte, su carácter ambiguo y fuertemente metafórico propicia las más variadas interpretaciones, que no conviene cercenar.

Tae-suk es un joven solitario que se las ingenia hábilmente para introducirse en casas ajenas, aprovechando la ausencia de sus dueños. No roba ni ocasiona daños, sino que al contrario “paga” su estancia con pequeños servicios o arreglos materiales. En uno de esos pisos encontrará a Sun-hwa, una joven maltratada por un rico y arrogante esposo que tiene el golf como afición; tras una incipiente amistad, ella será su compañera en nuevos “asaltos” domiciliarios hasta que descubran a un hombre muerto, sean acusados de asesinato, y finalmente separados por la intervención del marido de Sun-hwa. Sin embargo, entre ellos ha nacido un amor que no se apagará, que perdurará aunque sea de manera un tanto espectral.

Desde el inicio, en la película se juega con las sensaciones de los protagonistas, que se turban al intuir la presencia de alguien en las estancias cerradas; del mismo modo, vemos a los dos jóvenes que viven como fantasmas que deambulan por un mundo en el que realmente no habitan. De ahí el afán de Tae-suk por retratarse junto a personas que aparecen en las fotografías que decoran las casas visitadas: es una manera de apropiarse de unas vidas desconocidas, de llenar su vacío existencial; no busca riquezas ni bienes materiales, pues nunca se apropia de nada y su moto deja ver su posición acomodada; sólo necesita compañía y afecto, tener la sensación de que su vida importa a alguien. Esa vaciedad y soledad, esa búsqueda de algo que no se ve, y esa intuición de que no estamos solos son sensaciones que los actores logran transmitir al espectador con sus miradas frías y vacías, sin necesidad de mediar palabra; sus interpretaciones son sobrias pero expresivas, y trasmiten todo el escepticismo y pesimismo que el mismo Kim Ki-duk refleja en el resto de su obra; el director se defiende argumentando que pretende mostrar lo que ocurre en las relaciones humanas, y que sólo recoge la crueldad que la vida encierra. Visión fatalista, pues, de la realidad aunque al final se intuya una vaga esperanza con un desenlace que sabe más a sucedáneo que a otra cosa, y donde los rótulos vienen a decirnos que muchas veces los sueños son más felices que la realidad, y que es preferible evadirse de ésta viviendo como espectros.

El director coreano no abandona su minimalista puesta en escena ni el carácter críptico y simbólico de su anterior producción: casas vacías, personas solitarias, un palo de golf apenas usado –el hierro 3, de ahí el título– son símiles utilizados para hablar de la soledad; y precisamente, será el joven Tae-suk, quien aporte la calidez necesaria a esas casas deshabitadas, quien rescate de la soledad a una mujer abandonada y sin afectos. Apenas hay diálogos, y hasta éstos se podrían suprimir porque Kim Ki-duk habla con la cámara, a la que dota de lirismo para captar sensaciones y fuerza con el fin de recoger los dramas interiores de unos personajes desarraigados de la sociedad, aislados de un mundo que les ignora, inmersos en un vacío existencial. Precisamente el silencio se convierte en el mejor aliado para que se entiendan y amen dos almas que sufren, mientras que los diálogos de quienes no quieren escuchar no conducen más que a la confusión y a la deshumanización; esto es lo que sucede en la escena de la comisaría, ante la acusación injusta que no merece ni una sola palabra de autodefensa de los acusados, conscientes de su inutilidad.

Se trata de una película rica en contenidos, profunda en su análisis de la sociedad moderna, de factura fresca y muy cinematográfica, aun-que sólo aconsejable para un público –quizá minoritario– que esté dispuesto a recrearse en la poesía de las escenas o a reflexionar en sus mensajes.

Mulholland Drive
un film de David Lynch



Rescatada de los rincones más insondables del universo onírico, "Mulholland Drive" es una película para disfrute de aquellos que alguna vez se han levantado sobresaltados de la cama fascinados por un sueño que se ha esfumado en tan sólo un instante, y cuya aspiración es poder algún día retener ese mundo fascinante para repasarlo una y otra vez, analizarlo y complacerse de la complejidad del cerebro humano.
Sí, David Lynch ha conseguido esta vez hacer un delirio en su mejor tradición, pero que tiene la paradoja de ser perfectamente coherente. Eso no la exime, por supuesto, de estar abierta a todo tipo de interpretaciones, a hacer de la ambigüedad su principal arma para atrapar al espectador. Y vaya si lo atrapa. Desde el momento en que Betty desembarca en Hollywood para cumplir su sueño de llegar a ser una gran estrella y encuentra en el apartamento de su tía a Rita, todo entrará en una laberíntica trama que nos deja con la boca abierta y estimula enormemente nuestro cerebro, ansioso de encontrar una explicación y voraz por no dejar escapar cada detalle que, como bien sabemos, encontrará más tarde su explicación, su respuesta.
Porque, aunque a veces no lo parezca, nada está en el cine de Lynch por casualidad. Todo tiene su cómo y su porqué, porque el universo creado en "Mulholland Drive" no es trivialmente onírico, sino que representa la hipocresía, el espejismo que campa a sus anchas por los grandes estudios de Hollywood. A modo de aventura atormentada, de fantasía febril, la mente turbadora y diabólicamente inteligente del director afila un gran dardo contra la industria. Porque esta vez ha planteado una serie de piezas que encajan a la perfección, pero a las que el espectador habrá de dar la interpretación global, totalmente subjetiva, pero siempre interesante. Son tantas las aristas y los recovecos que esconde el genial guión de "Mulholland Drive", las pistas y los señuelos, que cada espectador agarrará lo que le resulte más sugerente, significativo o similar a su propia experiencia. Así, la historia de amor-admiración entre las dos actrices propone todo un calidoscopio de sentimientos y miserias humanas, hasta alzarse como un retrato de la especie en su voraz instinto de supervivencia, en su desesperada búsqueda del amor y del éxito, en su vertiginosa caída hacia la soledad.
Además de esta potencia argumental más que considerable y absolutamente parcial, puesto que no es más que una perspectiva más, Lynch consigue que la película fascine desde el primer momento gracias a un estilo visual único, que nos sumerge en el ecosistema paranoide y palpitante que todos llevamos en nuestro interior pero que jamás sabríamos explicar. Planos rocambolescos, iluminación hipnótica, decorados surrealistas y personajes entre lo grotesco y lo idealizado nos convencen de que la película es una obra maestra nada más acabar la proyección, cuando aún no hemos engarzado los cabos del argumento, porque hemos vivido una experiencia cinematográfica insólita. Por ello, cuando, tras horas de meditación y procesamiento de cada detalle que el filme expresa apreciamos también su gran complejidad temática, la impresión que conservamos de esta película es simplemente colosal, una pieza de orfebre que ha conmocionado todos nuestros esquemas previos. Y todo gracias a la soberbia dirección, a esa magnífica e insobornable personalidad que es David Lynch, responsable absoluto de un cine que no conoce barreras, que es siempre innovador y ofrece al cinéfilo la gran esperanza de que en este arte no todo está inventado.

Los amantes del circulo polar

SINOPSIS: Ana y Otto son dos niños de ocho años que un día se conocen a la salida del colegio. En ese mismo momento nacerá una historia de amor secreta y circular que se cerrará diecisiete años después en Finlandia, en el mismo Círculo Polar Ártico. La película nos narra la hermosa y dramática historia de amor que viven los dos protagonistas, desde su primer encuentro a en la infancia hasta los veinticinco años.


COMENTARIO: Con su cuarta película, Los amantes del Círculo Polar, Medem conmocionó los cimientos del cine nacional con esta verdadera obra de arte, una lacónica historia de un amor que está tan cerca que es irreal. Su estructura concéntrica (y capicúa, como el nombre de los protagonistas y el apellido del propio director) y los alternativos puntos de vista que narran la historia hacen de esta película un verdadero ejercicio de virtuosismo cinematográfico (es reseñable el gran trabajo de montaje de Iván Aledo), donde todos los elementos confluyen hacia la tragedia de amor más intensa relatada en el cine español en los últimos años.
También cabe destacar la fotografía de este filme, cuyo responsable fue Gonzalo F. Berridi. Los tonos azulados y fríos constituyen una manifiesta contraposición con el amor ardiente que une a la pareja de amantes, y crea toda una atmósfera de vacío entorno a ellos para los cuales no existe nada más que la presencia del otro.
Para Medem esta ha sido seguramente y hasta el momento su película más costosa, física y psicológicamente hablando. Además de un rodaje durísimo por España y las frías estepas de Finlandia Julio introdujo en este relato todo su ser, con muchísimas referencias autobiográficas que trasladó a las vidas de los personajes. Esta honda implicación en la historia y su terrible final condujeron a Medem a un estado total de depresión y angustia existencial. El rodaje y posterior éxito de Lucía y el sexo supusieron para el director una liberación.

Eternal Sunshine Of The Spotless Mind


La verdadera naturaleza del amor.....



Me resulta dificil describir y recomendar este film, y lo digo como un cumplido, pues se me vienen a la mente un millon de sentimientos que gobiernan a mi mente y esta pelicula.
Comienzo por destacar el guion y direccion, que me parece fascinante, completo, ingenioso y bien construido, gracias a la genialidad de Charlie Kaufmann ya vista en "el ladron de orquideas".
y el prolijo trabajo del debutante director Michel Gondry.
Tambien por ayudarme a dejar mis malditos prejuicios de lado, Jim Carrey como nunca antes lo vi en mi vida, realmente actuando, previamente eternal sunshine... unos esbozos dramaticos en "the truman show", (desde antes mil guiños, caretas y sobreactuaciones en comedias light).
subrayar la actuacion de kate winslet con un papel deslumbrante, de una chica impulsiva y excentrica a la cual entendi y odie por momentos.
Entrando en tierra firme, la pelicula cuenta con un desarrollo del tema de una manera extraña , donde los creditos y presentacion aparecen despues de 15 minutos y siendo despues de esta introduccion cuando radicalmente cambia , porque al principio solo parece una comedia romantica...
Joel es un tipo timido un tanto retraido que se entera que su novia (Clemetine)-despues de una discusion- decide borrarlo de su mente -casi por diversion- como le dice una amiga a Joel para consolarlo. El, desesperado recurre al mismo procedimiento. La pelicula en si, transcurre en su mayor parte, en el cerebro de Joel, el que se percata en medio del proceso y a medida que vuelven por ultima vez a su mente los malos (primero)y los buenos(al final) recuerdos de su romance con clementine, que no quiere eliminarlos, ademas de redescubrir su amor por ella, por la tanto se torna una lucha interna por evitar perderlos.
retrato perfecto del transcurso de una relación, esos si que planteada de manera singular, con otras historias de por medio y enmarcado por una gran banda sonora, (ojo al final con el tema de Beck).
recomendable de verlo 48 o mas veces, y cada vez redisfrutar alguna pieza del puzzle de esta no cinematograficamente convencional historia de amor.

[...]"i can't remember anything that doesn't include you"[...]

Donnie Darko

Resulta complicado explicar de que trata esta pelicula, y todavia más importante la forma en que se expone y desarrolla su historia, por la dificultad, en este caso notable, de que unas cuantas palabras puedan ajustarse a su relidad, no ofrezcan una idea equivocada y sobre todo eviten que el futuro expectador la disfrute de lleno. En cualquier caso, este viaje onirico, de hipnotismo embriagador y un muy peculiar sentido del humor, es altamente recomendable, y si uno consigue ser tan afortunado como para que lo atarpe hasta el fondo, no solo le entusiasmara, sino que le encantara, y utilizo este verbo en su sentido más narcotico, como el mitico encantador de serpientes que embauca y obnubila con la flauta a sus victimas.
Donnie Darko-que, como apunta su novia en el film, parece el nombre de un superheroe- es un adolescente "problematico", con trastornos de personalidad, que le llevan a tener un comportamiento extraño. Donnie vive en un anodino barrio residencial de una anodina localidad norteamericana, con su familia tambien anodina y muy típicamente norteamericana. Tiene una especie de amigo imaginario, un siniestro conejo de gran tamaño, que sólo él puede ver, y que en una de sus apariciones le vaticina que el mun-do se acabará en pocos días. Esa misma noche, el motor de un avión cae sobre la casa, justo encima de la habitación que ocupa Donnie, aunque no hay rastro del avión supuestamente accidenta-do. Así comienza este periplo circular que transcurre entre lo fantástico y la comedia más negra y amarga, deambulando por una atmósfera enrarerida y oscura, entre personajes grotescos, y sumergiendo al espectador en un ambiente enfermizo y anestésico –la sensación es la misma que si uno se hubiera tragado unos cuantos ansiolíticos y mostrara el mundo a través de sus ojos–.

Primavera, Verano, Otoño, Invierno......y otra vez Primavera

El trabajo del director coreano es un precioso cuento taoísta que nos transporta a un mundo de ico-nografía oriental, en el que las puertas aisladas en el vacío, el agua en todas sus formas, los árboles y los animales enmarcan la historia de un aprendizaje que se desarrolla en las cuatro estaciones de la vida y cuyo mensaje es muy claro: el deseo de posesión lleva en sí mismo la destrucción de lo que más quieres. Nadie es inmune al poder de las estaciones ni a su ciclo anual de nacimiento, crecimiento y decaimiento. Ni siquiera los dos monjes que comparten una ermita flotante rodeada de montañas. A la vez que las esta-ciones se suceden, todos y cada uno de los aspectos de su vida son infun-didos y vividos muy intensamente. Esto les hará experimentar momentos de gran espiritualidad y misticismo y otros más movidos y trágicos. Ellos, al igual que todo ser humano, son incapaces de evitar los avatares de la vi-da, los deseos, el sufri-miento y las pasiones. Bajo la atenta mirada del monje anciano, uno mucho más joven experimenta la pérdida de la inocen-cia, con la llegada de una mujer a su particular mundo de paz y tranquili-dad. La mujer despertará en el joven sentimientos hasta ahora totalmente desconocidos como el amor, los celos, la obsesión, el precio de la salva-ción y la sabiduría obtenida a través de la experiencia.